Dark Winds : Chris Eyre sur la maîtrise du langage Navajo, musique des années 70

Par Pat Saperstein

Rédacteur en chef adjoint

Lorsque « Smoke Signals » de Chris Eyre a remporté le prix du public à Sundance il y a 25 ans, le réalisateur pensait que ces félicitations entraîneraient bientôt une avalanche d'opportunités pour les talents autochtones. Au milieu d’une scène cinématographique indépendante florissante, la comédie dramatique sur la route a été acclamée et récompensée en tant que premier long métrage écrit, réalisé et produit par des cinéastes autochtones. Mais il a fallu deux décennies, et un tournant vers la télévision, pour que les voix autochtones aient enfin une plus grande chance de se faire entendre.

Plus de deux décennies plus tard, Eyre est désormais producteur exécutif et réalisateur de la série noire Navajo « Dark Winds » d'AMC+, basée sur les romans policiers de Tony Hillerman. Les fans de longue date de Hillerman, Robert Redford et George RR Martin, sont également producteurs exécutifs. "Dark Winds" a été créé en 2022 alors qu'une vague de westerns télévisés se révélait extrêmement populaire, et pourtant, il est très différent d'émissions comme "Yellowstone", "Joe Pickett" et "Justified" avec l'accent mis sur un casting, une équipe et culture. La salle des écrivains, dirigée par le créateur de la série Graham Roland, est entièrement autochtone.

Dans la première saison de « Dark Winds », qui se déroule dans la réserve Navajo du sud-ouest des États-Unis au début des années 1970, nous rencontrons le lieutenant de la police tribale Joe Leaphorn (Zahn McClarnon), qui a perdu son fils dans une mystérieuse explosion de mine. Chaque nouveau crime sur lequel il enquête semble être lié à l'explosion, et la deuxième saison plonge de manière encore plus combustible dans la quête de Leaphorn pour comprendre pourquoi son unique enfant a dû mourir.

Variety s'est entretenu avec Eyre, qui a réalisé trois des épisodes de la saison 2, sur la réalisation de son premier film révolutionnaire, sur les raisons pour lesquelles les histoires autochtones se sont largement déplacées vers la télévision et sur le tournage de cette nouvelle saison pleine d'action et d'émotion.

Vous avez récemment projeté « Smoke Signals » sous le pont de Brooklyn pour son 25e anniversaire. Qu’avez-vous ressenti en repensant au film ?

Lorsque « Smoke Signals » est sorti, il a reçu tellement de distinctions et tellement d’attention, étant donné que le cinéma indépendant en était à l’époque.

J'étais jeune, donc j'avais des visions de grandeur selon lesquelles nous marquions vraiment notre marque sur le monde. Et nous l’avons fait dans une certaine mesure. Mais ironiquement, "Smoke Signals" n'a pas vraiment fourni cette pierre de touche comme la télévision l'a fait aujourd'hui avec "Reservation Dogs" et "Dark Winds". Il a littéralement fallu encore 20 ans pour que cette voix autochtone s’enflamme au panthéon du divertissement grand public, c’est-à-dire que les écrivains, producteurs et réalisateurs autochtones aient leur propre voix.

Pourquoi pensez-vous que cela s’est produit à la télévision plutôt que dans les longs métrages ?

Nous étions en avance sur notre temps, je pense, avec « Smoke Signals ». Maintenant que le monde a tellement besoin de contenu, nous en avons eu l’opportunité, mais il y avait certainement de nombreux dirigeants partageant les mêmes idées. Je peux le relier depuis #OscarsSoWhite aux manifestations de Standing Rock, en passant par la diversité et l'inclusion et jusqu'au moment où les dirigeants faisaient pression pour des voix alternatives comme « Rutherford Falls », « Reservation Dogs » et « Dark Winds ». Je pense donc qu’il existe un véritable tissu conjonctif entre toutes ces poussées dans l’air du temps et dans la conscience du public. Je pense que nous sommes arrivés à un point où nous n'allons pas revenir en arrière avec les LGBTQ, les autochtones, les femmes et le cinéma. Nous n’allons pas reculer, et je le dis avec courage. Cette porte est ouverte et cela va continuer.

Espériez-vous recevoir plus d’offres pour réaliser des films hollywoodiens, ou vouliez-vous toujours rester plus indépendant ?

Je voulais vraiment tout faire et dans ma carrière, j’en ai fait pas mal. J'ai réalisé des documentaires, des téléfilms, des reconstitutions dramatiques, des longs métrages et des films indépendants. J’ai eu l’opportunité de réaliser à plusieurs reprises « Friday Night Lights », un drame humain sur le terrain de football. J'ai fait un film avec Josh Lucas et James Cromwell intitulé "Hideaway", et il s'agissait d'un gars sur un voilier essayant de retrouver sa famille. Donc, vraiment, il s'agissait toujours d'une bonne histoire et je pense que c'est ce que je maintiens jusqu'à aujourd'hui, je veux juste raconter de très belles histoires.